ສາລະບານ
Impressionism ແມ່ນທ່າອ່ຽງຂອງສິລະປະທີ່ມາຈາກປະເທດຝຣັ່ງໃນກາງສະຕະວັດທີ XIX, ລະຫວ່າງ 1860 ແລະ 1880.
ຄຳສັບທີ່ຕັ້ງຊື່ການເຄື່ອນໄຫວມາຈາກການວິພາກວິຈານວຽກງານ ຄວາມປະທັບໃຈ, Sunrise (1872), ໂດຍ Claude Monet, ນັກສິລະປິນທີ່ມີຊື່ສຽງຂອງພາກສະຫນາມ, ພ້ອມກັບ Édouard Manet.
ນັກສິລະປິນທີ່ປະທັບໃຈໄດ້ສົນໃຈຫຼາຍໃນຜົນກະທົບດ້ານແສງທີ່ສະຫນອງແສງສະຫວ່າງ, ດັ່ງນັ້ນ, ສ່ວນຫຼາຍຂອງຜ້າໃບຂອງລາວ. ໄດ້ painted ນອກ. ອັນນີ້ເຮັດໃຫ້ວຽກງານມີຄວາມສະຫວ່າງ ແລະ ສະຫວ່າງຂຶ້ນ.
ເມື່ອເບິ່ງປະຫວັດສາດຂອງສິລະປະ, ພວກເຮົາຮັບຮູ້ວ່າວິທີການສ້າງແບບໃໝ່ນີ້ໄດ້ສະແດງເຖິງຂີດໝາຍສຳຄັນສຳລັບຈັກກະວານວັດທະນະທຳໄປສູ່ສິລະປະສະໄໝໃໝ່.
ຄວາມປະທັບໃຈ, ດວງຕາເວັນຂຶ້ນ , ໂດຍ Claude Monet (1872) ແມ່ນຜ້າໃບທີ່ຕັ້ງຊື່ໃຫ້ກັບການເຄື່ອນໄຫວ impressionist
Impressionism in painting
ໃນເວລາທີ່ຮູບແຕ້ມ impressionist ປະກົດຂຶ້ນ, ປາຣີ, ເຊັ່ນດຽວກັບເມືອງຫຼວງຂອງເອີຣົບອື່ນໆ, ກໍາລັງປະສົບກັບໄລຍະເວລາຂອງແງ່ດີແລະຄວາມກ້າວຫນ້າທາງດ້ານເຕັກໂນໂລຢີ, ອັນທີ່ເອີ້ນວ່າ Belle Époque . ໄລຍະນີ້ແກ່ຍາວຕັ້ງແຕ່ປີ 1871 ຫາ 1914, ເມື່ອສົງຄາມໂລກຄັ້ງທີ 1 ເລີ່ມຕົ້ນ.
ການແຕ້ມຮູບແມ່ນພາສາສິລະປະທີ່ໂດດເດັ່ນທີ່ສຸດໃນ Impressionism. ສາຍພັນນີ້ມາຈາກນັກແຕ້ມໜຸ່ມທີ່ມີຄວາມກະຕືລືລົ້ນໃນການສືບສວນຜົນກະທົບຂອງແສງທໍາມະຊາດຕໍ່ຄົນ ແລະ ວັດຖຸ.ແລະມີອິດທິພົນຕໍ່ນັກແຕ້ມອື່ນໆ. ຮ່ວມກັນ, ເຂົາເຈົ້າສາມາດຕີຄວາມໝາຍວ່າສີ, ແສງໄຟ ແລະເງົາມີພຶດຕິກຳໃນສະພາບແວດລ້ອມກາງແຈ້ງໄປອີກລະດັບໜຶ່ງ.
ລະບຽງ, ໂດຍ Édouard Manet
ນີ້ແມ່ນການຫັນເປັນຮູບພາບທີ່ສໍາຄັນ, ພິຈາລະນາວ່າ, ຈົນກ່ວາສິລະປະການແຕ້ມຮູບໄດ້ຖືກຈໍາກັດໃນສະຕູດິໂອ. ໃນສະພາບແວດລ້ອມເຫຼົ່ານີ້, ແສງສະຫວ່າງໄດ້ຖືກຫມູນໃຊ້. ໂດຍທົ່ວໄປແລ້ວ, ແສງແມ່ນມາຈາກປ່ອງຢ້ຽມຂ້າງໜຶ່ງ, ເຮັດໃຫ້ມີເງົາຄ່ອຍໆໃສ່ຕົວແບບ.
ວິທີເຮັດໃຫ້ມີແສງແບບນີ້ຍັງຖືກສອນຢູ່ໃນໂຮງຮຽນສິລະປະ, ເປັນແບບດັ້ງເດີມ.
ດັ່ງນັ້ນ, ເມື່ອ ກຸ່ມນັກແຕ້ມທີ່ສະເໜີວິທີໃໝ່ໃນການເຫັນຄວາມເປັນຈິງ ແລະເປັນຕົວແທນ, ນັກວິຈານແບບອະນຸລັກຖືກລົບກວນ ແລະ ບໍ່ຍອມຮັບຮູບແບບໃໝ່.
ເບິ່ງ_ນຳ: ບົດກະວີທີ່ດີທີ່ສຸດ 15 ບົດໂດຍ Olavo Bilac (ມີການວິເຄາະ)ໃນປີ 1872, Claude Monet (1840-1926) ໄດ້ແຕ້ມຮູບໃສ່ຜ້າໃບ ຄວາມປະທັບໃຈ, ຕາເວັນຂຶ້ນ , ເຊິ່ງສອງປີຕໍ່ມາເປັນສ່ວນໜຶ່ງຂອງງານວາງສະແດງຢູ່ສະຕູດິໂອຖ່າຍຮູບຂອງ Félix Nadar (1820-1910) ພ້ອມກັບຜົນງານຂອງນັກສິລະປິນຄົນອື່ນໆໃນຍຸກນັ້ນ.
ມັນເກີດຂຶ້ນທີ່ນັກວິຈານປະຕິເສດຜົນງານດັ່ງກ່າວ. ແລະໃນນໍ້າສຽງທີ່ດູຖູກເຂົາເຈົ້າໄດ້ຕັ້ງຊື່ນັກສິລະປິນວ່າ ຜູ້ສ້າງຄວາມປະທັບໃຈ , ໂດຍໄດ້ຮັບແຮງບັນດານໃຈຈາກຊື່ຂອງວຽກງານຂອງ Monet.
ຫລັງຈາກນັ້ນກໍມີງານວາງສະແດງອື່ນໆຢູ່ບ່ອນດຽວກັນ ແລະເຂົາເຈົ້າເລີ່ມເອີ້ນຕົນເອງວ່າ “ນັກປະທັບໃຈ”. " .
ໃນເວລານັ້ນ, ມີການວິພາກວິຈານຢ່າງໂຫດຮ້າຍ, ເຊັ່ນວ່າວາລະສານຕະຫຼົກຈາກປີ 1876.
Rue le Peletier ແມ່ນການສືບທອດຂອງໄພພິບັດ. ຫຼັງຈາກໄຟໄໝ້ໂຮງລະຄອນໂອເປຣາແລ້ວ, ເຮົາກໍມີໄພພິບັດອີກຄັ້ງໜຶ່ງ. ງານວາງສະແດງຫາກໍ່ເປີດຢູ່ Durand-Ruel ທີ່ສົມມຸດວ່າມີຮູບແຕ້ມ.
ຂ້ອຍຍ່າງເຂົ້າໄປ, ແລະຕາທີ່ຕົກໃຈຂອງຂ້ອຍຖືກຜີສິງເປັນຕາຢ້ານ. ຫ້າຫຼືຫົກ lunas, ລວມທັງແມ່ຍິງ, ເກັບກໍາເພື່ອວາງສະແດງວຽກງານຂອງເຂົາເຈົ້າ. ຂ້າພະເຈົ້າໄດ້ເຫັນຜູ້ຄົນຮ້ອງໄຫ້ດ້ວຍສຽງຫົວຢູ່ຫນ້າຈໍ, ແຕ່ຫົວໃຈຂອງຂ້າພະເຈົ້າໄດ້ຫລັ່ງເລືອດໃນເວລາທີ່ຂ້າພະເຈົ້າໄດ້ເຫັນເຂົາເຈົ້າ. ນັກສິລະປິນເຫຼົ່ານີ້ເອີ້ນຕົນເອງວ່ານັກປະຕິວັດ, "ຜູ້ປະທັບໃຈ". ມັນເປັນພາບລວງຕາ, ຄືກັບວ່ານັກໂທດໃນເຮືອນບ້າໄດ້ເກັບກ້ອນຫີນຢູ່ຖະໜົນ ແລະ ຄິດວ່າເຂົາເຈົ້າພົບເພັດ.
ນັກສິລະປິນ ແລະ ຜົນງານທີ່ປະທັບໃຈ
ນອກເໜືອໄປຈາກ Édouard Manet, ຜູ້ສ້າງ ຂອງການເຄື່ອນໄຫວ, ພວກເຮົາມີຊື່ອື່ນໆໃນບັນດາພວກເຂົາ:
Claude Monet (1840-1926)
ວຽກງານທີ່ເຮັດໃຫ້ມີຊື່ຂອງການເຄື່ອນໄຫວທີ່ປະທັບໃຈໄດ້ຖືກແຕ້ມໂດຍ Claude Monet, ທີ່ມີຊື່ສຽງ. ນັກສິລະປິນໃນສະ ໄໝ ຂອງລາວ.
ນັກແຕ້ມຊາວຝຣັ່ງເປັນຄົນທີ່ມີຄວາມກະຕືລືລົ້ນໃນຫັດຖະ ກຳ ຂອງລາວ, ລາວຂອບໃຈເວລາທີ່ດີແລະຢືນຢັນທີ່ຈະສະແດງພາບທີ່ສວຍງາມແລະແສງສະຫວ່າງໃນວຽກງານຂອງລາວ.
ລາວເປັນຜູ້ສະຫນັບສະຫນູນທີ່ດີ. ການແຕ້ມຮູບນອກ, ແມ່ນແຕ່ມີ "ເຮືອ-atlier", ເຊິ່ງລາວສາມາດສັງເກດເຫັນການປ່ຽນແປງຂອງພູມສັນຖານຂອງແມ່ນ້ໍາຕະຫຼອດມື້.
Monet ພະຍາຍາມຢ່າງຈິງຈັງເພື່ອເປັນຕົວແທນຂອງທັນທີ, ສໍາລັບການນັ້ນ, ບໍ່ມີເວລາທີ່ຈະອຸທິດຕົນເອງກັບລາຍລະອຽດ, ສິ່ງທີ່ສໍາຄັນທີ່ສຸດສໍາລັບລາວແມ່ນຊຸດສຸດທ້າຍ. ດ້ວຍເຫດນີ້, ລາວຈຶ່ງຖືກວິພາກວິຈານຢ່າງໜັກໃນຕອນເລີ່ມຕົ້ນຂອງອາຊີບຂອງລາວ.
ແນວໃດກໍ່ຕາມ, ຕໍ່ມາລາວຈຶ່ງໄດ້ຮັບການຮັບຮູ້ ແລະ ສືບຕໍ່ແຕ້ມຮູບຕໍ່ໄປຈົນຮອດຕອນທ້າຍຂອງຊີວິດ, ເມື່ອອາຍຸໄດ້ 86 ປີ.
ໃນ ຮູບແຕ້ມ Camille ແລະ Jean on the Hill , ຈາກປີ 1875, ບັນຍາຍເຖິງລູກຊາຍກົກຂອງນັກແຕ້ມ ແລະພັນລະຍາຂອງລາວ. ຜ້າໃບໄດ້ຖືກວາງສະແດງຢູ່ໃນງານວາງສະແດງຄັ້ງທີສອງຂອງກຸ່ມປະທັບໃຈ, ໃນປີ 1876.
Camille ແລະ Jean on the hill (1875), ໂດຍ Claude Monet
ໃນຮູບແຕ້ມນີ້, Camille, ຜູ້ທີ່ຢູ່ເທິງສຸດຂອງພູ, ເບິ່ງຜູ້ເບິ່ງໃນຂະນະທີ່ລູກຊາຍຂອງນາງຍ່າງໄປຫາເທິງ. ເຄື່ອງແຕ່ງກາຍປະສົມປະສານກັບທ້ອງຟ້າ, ຄືກັບວ່ານາງເປັນສ່ວນໜຶ່ງຂອງທຳມະຊາດ.
ເຖິງແມ່ນວ່າຈະມີລາຍລະອຽດໜ້ອຍໜຶ່ງ, ແຕ່ເຮົາສາມາດເຫັນໜ້າຕາທີ່ຈິງຈັງຂອງເດັກຊາຍ, ເຊິ່ງຍັງຄົງຢູ່ຫ່າງໄກຈາກບ່ອນເກີດເຫດ.
Auguste Renoir ( 1841-1919)
Renoir ແມ່ນໜຶ່ງໃນນັກແຕ້ມທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ສຸດຂອງຄວາມປະທັບໃຈ. ລາວໄດ້ຮັບການຍອມຮັບຢ່າງໃຫຍ່ຫຼວງແລະຜະລິດຢ່າງເຂັ້ມງວດ, ເຖິງແມ່ນວ່າສຸຂະພາບຂອງລາວລົ້ມເຫລວ, ໃນຕອນທ້າຍຂອງຊີວິດຂອງລາວ.
ນັກສິລະປິນສະແຫວງຫາການຖ່າຍທອດແງ່ດີ, ຄວາມກະຕືລືລົ້ນແລະຄວາມງຽບສະຫງົບຢູ່ໃນຜ້າໃບຂອງລາວ. ນອກຈາກນັ້ນ, ມັນໄດ້ສະແດງເຖິງການພົບກັນຂອງພວກຊົນຊັ້ນສູງຂອງຝຣັ່ງໃນທ້າຍສະຕະວັດທີ 19.
ຮູບແຕ້ມ The Rowers' Luncheon (1880-81), ແມ່ນຫນຶ່ງໃນບັນດາ scenes ແລະຫນຶ່ງໃນ ຮູບແຕ້ມທີ່ ສຳ ຄັນທີ່ສຸດຂອງການເຄື່ອນໄຫວ. ໃນມັນ, Renoir ສະແດງເວລາຜ່ອນຄາຍກັບຫມູ່ເພື່ອນຂອງລາວຄົນ ແລະ ປົກກະຕິຢູ່ຮ້ານອາຫານ.
ອາຫານທ່ຽງຂອງ Rowers (1880-81), ໂດຍ Auguste Renoir
ພວກເຮົາສາມາດເຫັນໄດ້ໃນອົງປະກອບຂອງນັກແຕ້ມ ອະທິບາຍດ້ວຍຄວາມຮັບຮູ້ຢ່າງເລິກເຊິ່ງ. ລາວຍັງກັງວົນກ່ຽວກັບການເຮັດໃຫ້ຕົວລະຄອນຊັດເຈນ.
ນອກນັ້ນ, ລາວຍັງສະແດງພາບທີ່ຍັງມີຊີວິດຢູ່ເທິງໂຕະກາງ ແລະ ຫຼາຍໆຄົນໃນສາກທີ່ເກີດຈາກການຖ່າຍທຳ, ຄືກັບຮູບຖ່າຍ.
ໂດຍ ຄວາມຢາກຮູ້ຢາກເຫັນ, ເດັກຍິງທີ່ເປັນຕົວແທນໃນມຸມຂວາກັບຫມາແມ່ນ Aline Charigot, ຜູ້ທີ່ຈະກາຍເປັນພັນລະຍາຂອງນັກແຕ້ມຮູບ.
Edgar Degas (1834-1917)
ເປັນທີ່ຮູ້ຈັກເປັນ "ນັກແຕ້ມຮູບຂອງ ballerinas ", Degas ເປັນ impressionist peculiar. ນີ້ແມ່ນຍ້ອນວ່າ, ບໍ່ເຫມືອນກັບຍຸກສະໄຫມຂອງລາວ, ລາວໄດ້ພັດທະນາແບບຂອງຕົນເອງແລະມີຫົວຂໍ້ທີ່ຫນ້າສົນໃຈ, ເຊັ່ນ: ຈັກກະວານຂອງ ballet. 1780- 1867), ຈິດຕະກອນ neoclassical ຄົນສຳຄັນທີ່ເກີດໃນສະຕະວັດທີ 18.
Degas ມີຄວາມຫຼົງໄຫຼໂດຍການວາດພາບຍິງໜຸ່ມໃນລະຫວ່າງການສະແດງເຕັ້ນ, ຫຼືແມ່ນແຕ່ຢູ່ໃນການຊ້ອມ ແລະຫຼັງເວທີ. ມີການຄາດເດົາວ່າ, ເຖິງວ່າຈະມີການແຕ້ມຮູບນັກ ballerinas ຫຼາຍຄົນ, ນັກສິລະປິນໄດ້ຖືກຂົ່ມເຫັງໂດຍແມ່ຍິງ, ແລະຍັງເປັນການສະມັກໃຈທີ່ສະຫມັກໃຈ.
ຫນຶ່ງໃນຜ້າໃບທີ່ມີຊື່ສຽງຂອງລາວແມ່ນ ຫ້ອງເຕັ້ນລໍາ (1873 -75), ໃນນັ້ນຈິດຕະນາການພັນລະນາກຸ່ມຂອງນັກເຕັ້ນລໍາໄວລຸ້ນທີ່ຕັ້ງຢູ່ໃນເຄິ່ງວົງມົນປະມານ.ຄູສອນ, ຜູ້ທີ່ໃຫ້ຄໍາອະທິບາຍ.
ບົດຮຽນການເຕັ້ນ (1873-75), ໂດຍ Edgar Degas
ທັດສະນະຂອງຈິດຕະກອນ, ແລະຜົນສະທ້ອນຂອງ ຜູ້ສັງເກດການຂອງວຽກງານ, ແມ່ນຂອງຜູ້ທີ່ຢູ່ໃນ scene ແຕ່ໃນເວລາດຽວກັນບໍ່ໄດ້ສັງເກດເຫັນ. ອັນນີ້ສ້າງຄວາມຮູ້ສຶກສະໜິດສະໜົມ ແລະ ຄວາມເຄັ່ງຕຶງໃນຂະນະດຽວກັນ.
Paul Cézanne (1839-1906)
Cézanne ເປັນນັກແຕ້ມຮູບທີ່ບໍ່ສະຫງົບ ແລະດຸໝັ່ນໃນການຄົ້ນຫາວຽກທີ່ໜັກແໜ້ນ ທີ່ຈະເຮັດໃຫ້ລາວຢູ່ໃນກຸ່ມ. ນັກຈິດຕະກອນທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່ທີ່ສຸດໃນສະໄໝຂອງລາວ, ເຊິ່ງເປັນເປົ້າໝາຍທີ່ບັນລຸໄດ້.
ການຄົ້ນພົບຂອງລາວໄດ້ເປັນພື້ນຖານໃຫ້ແກ່ນັກແຕ້ມຫຼາຍຄົນທີ່ມາຈາກລາວເຊັ່ນ Pablo Picasso, ຕົວຢ່າງເຊັ່ນ.
ໃນລະຫວ່າງການເຮັດວຽກຂອງລາວ, ແນວໃດກໍ່ຕາມ, ລາວບໍ່ໄດ້ຮັບການຮັບຮູ້ທີ່ຈະມາຫຼັງຈາກການເສຍຊີວິດຂອງລາວ. ຄັ້ງໜຶ່ງ, ນັກສິລະປິນເວົ້າກັບນັກແຕ້ມໜຸ່ມຄົນໜຶ່ງວ່າ:
ບາງທີຂ້ອຍເກີດໄວເກີນໄປ. ຂ້ອຍເປັນນັກຈິດຕະກອນໃນລຸ້ນລາວຫຼາຍກວ່າຂ້ອຍ.
ນັກແຕ້ມຍຸກສະໄໝ, Cézanne ໄດ້ອຸທິດສ່ວນໜຶ່ງຂອງວຽກງານຂອງລາວໃຫ້ເປັນຮູບແບບ. ຮູບແຕ້ມ ເຮືອນຂອງຜູ້ຊາຍຖືກແຂວນຄໍ (1872-73) ເປັນຕົວຢ່າງຂອງວຽກງານທີ່ໄດ້ຮັບແຮງບັນດານໃຈຈາກຄວາມຄິດທີ່ປະທັບໃຈ, ໂດຍສະເພາະໂດຍ Camille Pissarro (1830-1903), ນັກແຕ້ມຮູບຂອງການເຄື່ອນໄຫວອີກຄົນຫນຶ່ງ.
ເຮືອນຂອງຜູ້ຊາຍຖືກແຂວນຄໍ (1872-73), ໂດຍ Paul Cézanne
ຫົວຂໍ້ທີ່ໄດ້ກ່າວໃນຮູບແຕ້ມແມ່ນເປັນທິວທັດທີ່ painted ກາງແຈ້ງ, ເຊິ່ງແມ່ນ recurrent ໃນ impressionist. ແຖບທັບຊ້ອນນ້ອຍໆຍັງຊີ້ບອກເຖິງອິດທິພົນ, ນອກເໜືອໄປຈາກສຽງທີ່ຊັດເຈນ ແລະ ສະຫວ່າງ.
ຄວາມຄົມຊັດລະຫວ່າງຫລັງຄາຮູບສາມຫລ່ຽມຂອງເຮືອນທີ່ມີຊົນນະບົດເປີດຢູ່ໃນພື້ນຫລັງແລະວິທີການທີ່ຕົ້ນໄມ້ຖືກແປງເຮັດໃຫ້ພວກເຮົາມີຄວາມປະທັບໃຈທີ່ແທ້ຈິງຢູ່ທາງຫນ້າຂອງພູມສັນຖານນີ້, ເຮັດໃຫ້ແນວຄິດຂອງຄວາມເປັນຈິງເພີ່ມຂຶ້ນ.
Berthe Morisot (1841- 1895)
Morisot ເປັນຜູ້ຍິງຄົນດຽວທີ່ສະແດງຢູ່ໃນງານວາງສະແດງ Impressionist ທີ່ຈັດຂຶ້ນໃນສະຕູດິໂອຂອງ Félix Nadar. ນາງ, ຄືກັບນັກສິລະປິນອື່ນໆຂອງການເຄື່ອນໄຫວ, ອຸທິດຕົນເພື່ອການສຶກສາແສງສະຫວ່າງທໍາມະຊາດແລະປະຕິບັດການແຕ້ມຮູບໃນອາກາດເປີດ. ຍັງມີຕົວຊີ້ບອກທີ່ນາງມີອິດທິພົນຕໍ່ Manet ເພື່ອເຮັດໃຫ້ການສຶກສາຂອງລາວເລິກເຊິ່ງກ່ຽວກັບແສງສະຫວ່າງທໍາມະຊາດ.
ນອກຈາກນາງ, ນັກສິລະປິນອື່ນໆໄດ້ເປັນສ່ວນຫນຶ່ງຂອງແນວໂນ້ມເຊັ່ນ Mary Cassatt (1844-1926), Eva Gonzalès (1849). -1883) ແລະ Lilla Cabot Perry (1848-1933).
ວຽກງານຂອງ Morisot ໄດ້ຮັບການຍອມຮັບບາງຢ່າງໃນເວລານັ້ນ. ຢ່າງໃດກໍຕາມ, ໃນຖານະທີ່ເປັນແມ່ຍິງ, ນາງບໍ່ໄດ້ຢູ່ໃນບັນຊີລາຍຊື່ທີ່ມີຊື່ສຽງໃນປະຫວັດສາດຂອງສິນລະປະ. ລາວສ້າງຜົນງານປະມານ 800 ຜົນງານ.
ໜຶ່ງໃນນັ້ນແມ່ນ ແທ່ງ, ຈາກປີ 1872. ໃນນັ້ນ, Berthe ບັນຍາຍເຖິງແມ່ຄົນໜຶ່ງທີ່ເຝົ້າເບິ່ງການນອນຫລັບຂອງລູກສາວຂອງລາວ, ເຊິ່ງກຳລັງນອນຢ່າງສະຫງົບຢູ່ໃນ cradle.
The Cradle (1872), ໂດຍ Berthe Morisot
ໃນນີ້, ຄືກັບໃນຜົນງານຂອງລາວສ່ວນໃຫຍ່, ຜູ້ຍິງໄດ້ຖືກສະແດງໃນສາກແຫ່ງຄວາມສະໜິດສະໜົມ ແລະ ຄວາມສຳພັນ, ແບກຫາບຄວາມປະທັບໃຈຫຼາຍ.
ຜ້າໃບແມ່ນເຫັນໂດຍນັກວິຈານວ່າເປັນຜົນງານອັນຍິ່ງໃຫຍ່, ເຊິ່ງນັກສິລະປິນໄດ້ປະສົມປະສານສີທີ່ງົດງາມ ແລະເໜືອສິ່ງອື່ນໃດແມ່ນສີຂາວ.
ອ່ານເພີ່ມເຕີມ: ຄົ້ນພົບຮູບແຕ້ມທີ່ມີຊື່ສຽງທີ່ເຮັດໂດຍຜູ້ຍິງເກັ່ງ.
ຄຸນລັກສະນະຂອງຜົນງານທີ່ປະທັບໃຈ
ນັກປະທັບໃຈໄດ້ຮັບຮູ້ວ່າທຳມະຊາດທີ່ເຫັນໃນສະພາບແວດລ້ອມຂອງມັນເຮັດໃຫ້ເກີດການປະສົມສີອັນເຂັ້ມຂຸ້ນຂອງສີ ແລະ ໂຕນທີ່ຫຼາກຫຼາຍທີ່ສະຫຼັບໄປຂ້າງໜ້າຕາຂອງພວກເຮົາ.
ດັ່ງນັ້ນ, ຮູບທີ່ເຂົາເຈົ້າແຕ້ມ ບໍ່ໄດ້ ມີຮູບຮ່າງແຫຼມ ຫຼືການຮົ່ມແບບດັ້ງເດີມ. ສີໄດ້ຖືກຝາກໄວ້ເທິງຜ້າໃບໃນ ຈຸດນ້ອຍໆ , ເຊິ່ງລວມກັນ ແລະ ທັບຊ້ອນກັນ, ໄດ້ສ້າງຜົນກະທົບຄືກັບປະສົບການທາງສາຍຕາໃນຄາວໜຶ່ງ.
ນອກຈາກນັ້ນ, ນັກແຕ້ມເຫຼົ່ານີ້ໄດ້ຮັບຜົນປະໂຫຍດສູງສຸດຈາກ ແສງແດດ ແລະຖືກລ່ວງລະເມີດຂອງ ສີເສີມ .
ພູມສັນຖານ ແລະ ຊີວິດຊີວາເປັນທີ່ໂດດເດັ່ນໃນບັນດາຫົວຂໍ້ຂອງຜູ້ປະທັບໃຈ. ແນວໃດກໍ່ຕາມ, ການແຕ້ມຮູບອື່ນໆໄດ້ຖືກເຂົ້າຫາ, ເຊັ່ນຮູບຄົນຂອງແມ່ຍິງ, ນັກເຕັ້ນລໍາ, ແລະແມ້ກະທັ່ງສາກພາຍໃນ.
ຄວາມປະທັບໃຈໃນປະເທດບຣາຊິນເປັນແນວໃດ?
ໃນດິນແດນຂອງບຣາຊິນ, ຮູບແບບການປະທັບໃຈເກີດຂຶ້ນຜ່ານມື, ສ່ວນໃຫຍ່ໂດຍ Eliseu Visconti (1867-1944). ນັກຈິດຕະກອນສາມາດທໍາລາຍໂຄງສ້າງ neoclassical ທີ່ມີຄວາມນິຍົມໃນສິລະປະແລະເປີດເສັ້ນທາງໄປສູ່ຄວາມທັນສະໄຫມໃນປະເທດ.
ເບິ່ງ_ນຳ: Stephen King: 12 ປື້ມທີ່ດີທີ່ສຸດທີ່ຈະຄົ້ນພົບຜູ້ຂຽນ
ແມ່ (1906), ໂດຍ Eliseu Visconti, portraying aແມ່ຍິງໃຫ້ນົມລູກຢູ່ໃນສວນສາທາລະນະ
ນັກແຕ້ມຮູບ, ຜູ້ທີ່ເກີດໃນອີຕາລີແລະມາຮອດປະເທດບຣາຊິນເປັນເດັກນ້ອຍ, ໄດ້ສຶກສາສິລະປະໃນປະເທດແລະໃນປີ 1892 ໄດ້ຊະນະການເດີນທາງໄປເອີຣົບເພື່ອສືບຕໍ່ການສຶກສາຂອງລາວ. ຢູ່ທີ່ນັ້ນ, ລາວມີການຕິດຕໍ່ກັບວຽກງານຂອງນັກປະທັບໃຈທີ່ຍິ່ງໃຫຍ່, ເຊິ່ງມີອິດທິພົນຕໍ່ວຽກງານຂອງລາວຢ່າງຫຼວງຫຼາຍ.
Eliseu, ຄືກັບນັກແຕ້ມຊາວເອີຣົບ, ເລີ່ມສຶກສາຄວາມແຕກຕ່າງຂອງສີ, ແສງແລະເງົາໃນສິ່ງຂອງແລະຄົນທີ່ຖືກແສງແດດ .
ຢູ່ທີ່ສວນກາເຟ (1930), ໂດຍ Georgina Albuquerque
ນັກສິລະປິນຄົນອື່ນໆຍັງໄດ້ດື່ມຈາກນ້ຳພຸແຫ່ງຄວາມປະທັບໃຈເຊັ່ນ: Anita Malfatti (1889-1964) , Almeida Júnior (1850-1899) ແລະ Georgina de Albuquerque (1885-1962).
ທ່ານອາດຈະສົນໃຈໃນ :
