인상주의는 무엇인가 : 기능, 예술가 및 그림

인상주의는 1860년에서 1880년 사이인 19세기 중반 프랑스에서 시작된 예술의 한 경향이다. Sunrise (1872), Édouard Manet과 함께 이 분야의 저명한 예술가인 Claude Monet의 작품.

인상파 화가들은 빛이 제공하는 광학적 효과에 매우 관심이 많았기 때문에 그의 캔버스 대부분은 야외에서 그렸습니다. 이것은 작품에 가벼움과 광채를 부여했습니다.

예술의 역사를 살펴보면 이 새로운 창작 방식이 현대 미술을 향한 문화계의 중요한 이정표를 나타냈음을 알 수 있습니다.

인상, 해돋이 , 클로드 모네(1872)는 인상파 운동에 이름을 붙인 캔버스

회화 속의 인상파

인상파 회화가 등장하던 시기에 다른 유럽의 수도와 마찬가지로 파리는 소위 벨 에포크 라고 불리는 낙관주의와 기술 발전의 시기를 경험하고 있었습니다. 이 단계는 1871년부터 제1차 세계대전이 발발한 1914년까지 지속되었다.

회화는 인상주의에서 가장 두드러진 예술적 언어였다. 이 가닥은 자연광이 사람과 사물에 미치는 영향을 매우 열정적으로 조사한 젊은 화가들에게서 나온 것입니다. 에두아르 마네(1832-1883)는 이 연구를 시작한 예술가로 여겨집니다.다른 화가들에게 영향을 미쳤습니다. 그들은 함께 야외 환경에서 색상, 조명 및 그림자가 어떻게 작용하는지에 대한 해석을 다른 수준으로 끌어올렸습니다.

발코니, by Édouard Manet

그때까지 회화의 예술이 스튜디오에 국한되었다는 점을 고려하면 이것은 회화의 중대한 변화였습니다. 이러한 환경에서는 빛이 조작되었습니다. 일반적으로 빛은 측면 창에서 나오며 모델에 점진적인 그림자를 드리웁니다.

모델을 비추는 이러한 방식은 미술 아카데미에서도 가르쳤으며 매우 전통적입니다.

그래서 현실을 보고 현실을 표현하는 새로운 방식을 제안하는 화가들의 집단, 보수적 비평가들은 동요했고 새로운 스타일을 받아들이지 않았다.

1872년, 클로드 모네(1840-1926)가 캔버스를 그린다 은 2년 후 펠릭스 나다르(Félix Nadar, 1820-1910)의 사진 스튜디오에서 같은 시대의 다른 예술가들의 작품과 함께 전시회의 일부였습니다. 모네의 작품 제목에서 영감을 받아 인상파 라는 경멸적인 어조로 이름을 붙였습니다.

이후 같은 장소에서 다른 전시회가 열리면서 스스로를 "인상파"라고 부르기 시작했습니다. " .

당시 1876년 유머러스한 잡지라는 비판이 쏟아졌다.

뤼 르 펠르티에는재난의 연속. 오페라 화재 이후, 우리는 이제 또 다른 재앙을 맞고 있습니다. Durand-Ruel에서 그림이 포함된 것으로 추정되는 전시회가 막 열렸습니다.

들어가는데 공포에 질린 눈이 끔찍한 광경에 사로잡힙니다. 여자를 포함해 5, 6명의 미치광이들이 모여 작품을 전시했다. 스크린 앞에서 웃으며 울고 있는 사람들을 보았지만 그들을 보는 내 마음은 피를 흘렸다. 이 예술가 지망생들은 스스로를 혁명가, "인상파"라고 부릅니다.

그들은 캔버스 조각, 페인트, 붓을 가져다가 임의의 얼룩으로 칠하고 이름을 서명합니다. 미친 집의 수감자들이 길에서 돌을 주워 다이아몬드를 발견한 줄 착각한 듯하다.

인상파 화가와 작품

창작자 에두아르 마네 외에

클로드 모네(Claude Monet, 1840-1926)

인상파 운동의 이름을 낳은 작품은 저명한 화가 클로드 모네(Claude Monet)가 그렸다.

그 프랑스 화가는 자신의 기술에 열정을 가진 사람이었고, 좋은 시절을 감사했으며 그의 작품에서 아름답고 밝은 장면을 보여주겠다고 고집했습니다.

그는 훌륭한 후원자였습니다. 그는 하루 종일 강 풍경의 변화를 관찰할 수 있는 "보트 아틀리에"를 가지고 야외 그림을 그리기도 했습니다.

모네는순간적으로 디테일에 몰두할 시간이 없었고, 그에게 가장 중요한 것은 마지막 세트였다. 이 때문에 초기에는 혹독한 비판을 받았지만 나중에 인정을 받아 86세의 나이로 생을 마감할 때까지 그림을 계속 그렸습니다.

인 그림 Camille and Jean on the Hill 은 1875년에 화가와 그의 아내의 장남을 묘사합니다. 이 캔버스는 1876년 인상파 그룹의 두 번째 전시회에 전시되었다.

언덕 위의 카미유와 장 (1875), 클로드 모네 작

이 그림에서 언덕 꼭대기에 있는 카미유는 그녀의 아들이 정상을 향해 걸어가는 동안 보는 사람을 바라보고 있습니다. 드레스는 마치 자연의 일부인 것처럼 하늘과 어우러진다.

소수의 디테일에도 장면에서 멀리 떨어진 소년의 진지한 얼굴을 볼 수 있다.

오귀스트 르누아르( 1841-1919)

르누아르는 가장 유명한 인상주의 화가 중 한 명이다. 그는 큰 인정을 받았고, 건강이 좋지 않은 상황에서도 임종을 맞아 강렬한 작품을 남겼습니다.

작가는 캔버스에 낙천주의, 열정, 평온함을 전달하고자 했습니다. 또한 19세기 말 프랑스 엘리트들의 만남을 그렸다. 운동의 가장 중요한 그림. 그 안에서 르누아르는 친구들과 함께 휴식을 취하는 순간을 보여줍니다.

노 젓는 사람들의 점심 (1880-81), 오귀스트 르누아르 작

구성에서 화가가 어떻게 마스터 깊이 인식으로 정교합니다. 인물을 명확하게 하는 데도 신경을 쓴다.

또한 중앙 테이블에 놓인 정물과 여러 사람의 즉흥적인 장면을 마치 사진처럼 보여준다.

작가 궁금증을 풀어보니 오른쪽 구석에 강아지와 함께 그려진 소녀는 화가의 아내가 된 알린느 샤리고(Aline Charigot)입니다.

에드가 드가(1834-1917)

발레리나 ", Degas는 독특한 인상파였습니다. 동시대 사람들과 달리 그는 자신만의 스타일을 발전시켰고 발레의 세계와 같은 특별한 관심 주제를 가지고 있었기 때문입니다.

또한 작가는 Dominique Ingres( 1780-1867), 18세기에 태어난 중요한 신고전주의 화가.

드가는 무용 공연 중, 심지어 리허설과 백스테이지에서도 젊은 여성을 묘사하는 데 매료되었습니다. 수많은 발레리나를 그렸음에도 불구하고 화가는 여성들에게 혐오감을 느꼈고 자발적인 금욕주의자였다는 추측이 있다. -75) , 작가는 10대 무용수 그룹이 반원형으로 배치된 것을 묘사합니다.

Dance Lesson (1873-75), by Edgar Degas

화가의 관점, 그리고 그에 따른 작품의 관찰자는 현장에 있지만 동시에 주목받지 못하는 누군가의 것이다. 이는 친밀감과 긴장감을 동시에 자아낸다.

폴 세잔(Paul Cézanne, 1839-1906)

세잔(Cézanne)은 자신을 세계적 미술가의 반열에 올려놓을 수 있는 견고한 작품을 찾기 위해 안절부절하고 집요한 화가였다. 그의 시대의 가장 위대한 화가, 달성된 목표.

그의 발견은 예를 들어 파블로 피카소와 같은 그의 뒤를 이은 많은 화가들의 기초가 되었습니다.

그의 경력 동안, 그러나 그는 사후에 받게 될 인정을 얻지 못했습니다. 한 번은 작가가 젊은 화가에게 이렇게 말했습니다.

아마도 내가 너무 일찍 태어난 것 같습니다. 나는 내 세대보다 그의 세대의 화가에 더 가깝다.

인상파와 동시대인인 세잔은 그의 작품의 일부를 스타일에 바쳤다. 그림 매달린 남자의 집 (1872-73)은 인상파 사상, 특히 인상파의 또 다른 화가인 카미유 피사로(1830-1903)의 작품에서 영감을 받은 작품의 한 예입니다.

목매달린 남자의 집 (1872-73), 폴 세잔

그림의 주제는 인상파 작품에서 반복되는 야외에서 그린 풍경이다. 맑고 밝은 톤과 더불어 작게 겹치는 붓놀림도 영향을 나타냅니다.

탁 트인 전원풍경을 배경으로 한 집들의 삼각형 지붕과 나무들이 스쳐간 모습은 마치 이 풍경 앞에 실제로 있는 듯한 인상을 주어 현실감을 강화시킨다.

베르트 모리조(Berthe Morisot, 1841~ 1895)

모리조는 펠릭스 나다르의 스튜디오에서 열린 인상주의 전시회에 유일한 여성이었다. 그녀는 운동의 다른 예술가들과 마찬가지로 자연광 연구에 전념하고 야외에서 그림을 그렸습니다. 그녀가 자연광에 대한 그의 연구를 심화시키기 위해 Manet에게 영향을 미쳤다는 징후도 있습니다.

그녀 외에도 Mary Cassatt(1844-1926), Eva Gonzalès(1849)와 같은 다른 예술가들이 나중에 경향의 일부가 되었습니다. -1883) 및 Lilla Cabot Perry(1848-1933).

모리조의 작품은 당시 어느 정도 인정을 받았습니다. 그러나 그녀는 여성 인물로서 미술사에 이름을 올리지 못했다.

작가는 출산 장면, 여성의 세계와 같은 국내 주제에 대한 특별한 감상을 가지고 있었다. 800여 점의 작품을 남겼다.

그 중 1872년 작 요람 이 있다. 베르트는 요람에서 평화롭게 잠든 딸의 잠을 지켜보는 어머니의 모습을 그리고 있다.

The Cradle (1872), by Berthe Morisot

여기서 그녀의 대부분의 작품에서와 마찬가지로 여성은 친밀함과 연결의 장면으로 묘사됩니다. 큰 정서적 부담을 가지고 있습니다.

캔버스는비평가들은 작가가 색채와 무엇보다 흰색을 훌륭하게 결합한 훌륭한 작품으로 평가했습니다.

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인상파는 그 자체의 환경에서 본 자연이 우리 눈앞에서 뒤섞이는 강렬하고 화려한 색상과 다양한 톤의 혼합을 만들어낸다는 것을 깨달았습니다.

따라서 그들이 그린 이미지 날카로운 윤곽 또는 전통적인 음영을 특징으로 합니다. 물감은 작은 점 으로 캔버스에 도포되어 함께 중첩되어 순간적인 시각적 경험과 같은 효과를 만들어 냈습니다.

게다가 이 화가들은 햇빛 과 보색의 남용 .

풍경 과 정물화는 인상파의 주제 중에서 두드러졌다. 그러나 여성의 초상화, 발레리나, 심지어 실내 장면과 같은 다른 주제에 접근했습니다.

브라질에서 인상주의는 어땠습니까?

브라질 땅에서 인상주의 스타일은 손을 통해 나타나며, 주로 Eliseu Visconti (1867-1944)에 의해. 화가는 예술의 지배적인 신고전주의적 구조를 간신히 깨뜨리고 이 나라에서 모더니즘으로 향하는 길을 열었습니다.공원에서 모유수유하는 여인

이탈리아에서 태어나 아기 때 브라질에 온 화가는 그 나라에서 미술을 공부했고, 1892년 유럽 여행에 당첨되어 공부를 계속했다. 그곳에서 그는 위대한 인상파의 작품을 접했고 이는 그의 작품에 큰 영향을 미쳤습니다.

엘리세우는 유럽의 화가들처럼 햇빛에 노출된 사물과 사람의 색상, 빛, 그림자의 뉘앙스를 연구하기 시작했습니다. 1>

커피 농장에서 (1930), Georgina Albuquerque

Anita Malfatti(1889-1964)와 같은 다른 예술가들도 인상주의의 샘물을 마셨습니다. , Almeida Júnior(1850-1899) 및 Georgina de Albuquerque(1885-1962).

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