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Di Cavalcanti (1897-1976), der mit bürgerlichem Namen Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque e Melo hieß, war ein brasilianischer Künstler der Moderne, der die Kultur und das tägliche Leben der Menschen darstellte.
Di Cavalcanti, der innovative Bezüge zur Avantgarde der europäischen Kunst herstellt, gilt als einer der großen Namen der nationalen Malerei.
Er hat auch in den Bereichen Illustration, Karikatur und Szenografie sowie im Journalismus gearbeitet.
1. Katalog und Poster von Woche der modernen Kunst (1922)
Di Cavalcanti war der Künstler, der das Plakat und den Katalog für die Semana de Arte Moderna illustrierte, die im Februar 1922 im Theatro Municipal in São Paulo stattfand.
Das Ereignis, das als Meilenstein für die brasilianische Kunst und Kultur gilt, stellte eine innovative künstlerische Produktion des Landes dar und wurde von Di Cavalcanti idealisiert.
Er war einer der Hauptorganisatoren der Woche Bei dieser Gelegenheit veranstaltete er auch eine Ausstellung mit 12 seiner Werke.
Der Katalog hat ein schwarzes Bild mit der Ästhetik des Holzschnitts, auf dem die Initialen des Künstlernamens D.C. zu sehen sind. Die Schreibweise ist ungewöhnlich, wie man an dem Wort "Katalog" sehen kann, bei dem die letzten Buchstaben in der rechten Ecke reduziert sind.
Siehe auch: Bohemian Rhapsody (Queen): Bedeutung und LiedtextDas Poster zeigt eine sehr einfache Zeichnung eines wachsenden Baumes mit sichtbaren Wurzeln, die den Beginn einer neuen Denkweise über die brasilianische Kultur andeutet.
2. Pierrete (1922)
Pierrete ist ein Gemälde von Di Cavalcanti, ebenfalls aus dem Jahr 1922, das ein Mädchen zeigt, das sich als Pierrot verkleidet, um auf dem Karneval zu spielen.
Die Leinwand gehört in die erste Phase der Moderne und wurde mit der Technik der Ölfarbe hergestellt. Sie misst 78 x 65 cm.
Hier ist die lyrische Atmosphäre wird durch die Anwesenheit der weiblichen Figur belegt, die einen trägen Ausdruck und eine Körperbewegung zeigt, die an einen Tanzschritt erinnert, als würde sie schweben.
Auch die Vögel, die ihr entgegenfliegen, und ein Teil einer Blumenvase in der rechten Ecke des Bildschirms tragen zum poetischen und zarten Ton der Szene bei.
Auffällig sind auch die geschwungenen Linien und die für den Jugendstil charakteristischen Elemente, wie das spiralförmige Gitter im Vordergrund.
3. Samba (1925)
Samba In diesem Jahr kehrte Di Cavalcanti von einem Aufenthalt in Europa zurück, wo er zwei Jahre lang lebte und mit großen Namen der künstlerischen Avantgarde wie Picasso, Georges Braque, Léger und Matisse in Kontakt kam.
So lassen sich in diesem Werk auffallend moderne Merkmale feststellen wie bunte Vielfalt und die Verwendung von zylindrische Formen um die Körper der Figuren zu bauen.
Doch wie es für die brasilianischen Modernisten typisch war, vermischt der Künstler hier diese Referenzen mit der Realität unseres Volkes, indem er den Samba, die Sinnlichkeit der Frauen und die Bohème erkundet.
4. Fünf Mädchen aus Guaratinguetá (1930)
Unter Fünf Mädchen aus Guaratinguetá In den 1930er Jahren macht der Künstler erneut den Einfluss von Bewegungen wie dem Kubismus und dem Fauvismus deutlich.
Einer der Künstler, die Di Cavalcanti stark inspirierten, war Pablo Picasso. voluminöse Körper und einfache, stilisierte Formen .
Die Farbpalette variiert zwischen warmen und erdigen Tönen sowie Blau. Der Kleidungsstil der Frauen lässt Rückschlüsse auf die Epoche zu, in der das Gemälde entstanden ist, denn es handelt sich um ein sehr charakteristisches Kostüm der 1930er Jahre.
5. Frauen mit Obst (1932)
Unter Frauen mit Obst Di Cavalcanti zeigt zwei junge Frauen, die sich in einer Szene zurücklehnen, die an ein Picknick erinnert, mit einem Korb voller Früchte und Blumen, die die Landschaft bilden.
Die vom Maler verwendeten Töne sind zartrosa und die dargestellten Formen sind vollmundig. kubistischer Einfluss Die Art und Weise, wie der Künstler die Zeichnung mit klar definierten Strichen aufbaut, ist bemerkenswert.
Die Darstellung der Frau ist ein Thema, das sich durch Di Calvalcantis Werk zieht: Frauen, insbesondere solche, die aus Rassenmischungen hervorgegangen sind, werden auf poetische und sinnliche Weise gezeigt.
6. Porträt von Noemia (1936)
Im Jahr 1936 produzierte Di Cavalcanti Porträt von Noemia wo Noêmia Mourão erscheint, eine Malerin, die seine Schülerin war und die er 1933 heiratete.
In dieser Arbeit kann festgestellt werden Einfluss der expressionistischen Bewegung durch das rote Kleid und die neugierige Körperhaltung der Frau, was der Szene einen dramatischen Anstrich verleiht.
Siehe auch: Die 10 unglaublichsten Sätze von Clarice Lispector erklärt7. Protestierende Frauen (1941)
Protestierende Frauen 1928 trat Di Cavalcanti der Brasilianischen Kommunistischen Partei (PCB) bei und intensivierte seine Blick auf soziale Ursachen Dies wird sich in seiner gesamten Produktion widerspiegeln.
So thematisiert der Maler in diesem Gemälde die weibliche Empörung und beweist damit, dass der Maler die Frau auch auf andere Weise als nur in ihrer Schönheit und Sinnlichkeit darstellt.
Es ist nicht klar, wogegen die Frauen von Di protestierten, vielleicht war es eine feministische Demonstration, denn in den 1940er Jahren war es noch ein weiter Weg, bis die Rolle der Frau in der Gesellschaft allgemein anerkannt wurde.
In malerischer Hinsicht zeigt das Gemälde ein größeres Anliegen des Künstlers, die künstlerische Idee und Geste zu vermitteln, so der Kunstkritiker Mário Schenberg:
Er hat zum Beispiel dieses bewusst "getötete" Gemälde gemalt, bei dem es nicht um das Gemälde, sondern um die Geste ging; und diese Bedeutung der Geste in seiner Tätigkeit ist sehr stark mit bestimmten Aspekten der Konzeptkunst verbunden.
8. Sklavenschiff (1961)
Das große Wandbild Sklavenschiff Es wurde 1961 gemalt, ist ein Triptychon (bestehend aus 3 Teilen), misst 4 x 6 Meter und wurde mit Ölfarbe gemalt.
Das Werk ist das Ergebnis von Einflüssen in Mexikanische Wandmalerei Die Künstler Diego Rivera, Orozco und Siqueiros schufen in diesem Stil monumentale Werke, die soziale Themen und den Freiheitskampf des Volkes darstellen.
Hier kann man ein Schiff sehen, das Menschen aus Afrika zur Versklavung nach Brasilien bringt. Die Szenerie ist sehr farbenfroh und zeigt verschiedene Symbole des brasilianischen Lebens, wie die tropische Vegetation und die Menschen.
Ein Kuriosum ist, dass sich diese Komposition 25 Jahre lang im Museum der Schönen Künste in Rio de Janeiro befand und 2019 von dort entfernt wurde, um an den Eigentümer zurückzukehren und in die Sammlung der J. P. Morgan Bank zu integrieren.
9. Beliebter Ball (1972)
Beliebter Ball entstand im letzten Lebensjahrzehnt des Künstlers, in den 1970er Jahren. Die für sein Schaffen charakteristische, sehr farbige Leinwand zeigt eine ein echtes brasilianisches Thema : Musik und Tanz.
Hier werden Schwarze festlich dargestellt, und die Frau wird wieder einmal üppig und attraktiv in Szene gesetzt.
Solche Ansätze waren in seinem Werk stets präsent und trugen zur Bildung einer visuellen Sammlung über Brasilien zwischen den 1920er und 1970er Jahren bei.
Di Cavalcanti produzierte intensiv, starb aber 1976, am 26. Oktober, im Alter von 79 Jahren an gesundheitlichen Komplikationen.
Das Vermächtnis von Di Cavalcanti
Der Künstler ging als respektabler Name in die Geschichte der brasilianischen Kunst ein und hinterließ ein bedeutendes Erbe, wie der Kunstkritiker und Filmemacher Olívio Tavares de Araújo feststellte:
In den 20er und 30er Jahren ist seine Produktion homogener, in den 40er und 50er Jahren entstehen zahlreiche und berühmte Meisterwerke, ab den 60er Jahren werden sie zur Seltenheit.
Trotzdem wird Emiliano Di Cavalcanti für immer einer der größten brasilianischen Maler bleiben und derjenige, der eine bestimmte Seite des Landes am besten eingefangen hat: das Verliebte, das Sinnliche. Die große Vorherrschaft der menschlichen Figur in seiner Kunst ist auch ein Ausdruck seines grundlegenden Humanismus - derselbe Humanismus, der ihn dazu brachte, ein Individuum der Linken zu sein, wenn auch nicht gerade ein Parteiaktivist. Wie Segall,Ismael Nery und Portinari, Di machte den Menschen zum Gegenstand seiner Aufmerksamkeit.
