Spis treści
Di Cavalcanti (1897-1976), którego nazwisko brzmiało Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque e Melo, był brazylijskim artystą modernistycznym, który portretował kulturę i codzienne życie ludzi.
Łącząc innowacyjne odniesienia z awangardą sztuki europejskiej, Di Cavalcanti jest postrzegany jako jedno z największych nazwisk w malarstwie narodowym.
Zajmował się również ilustracją, karykaturą i scenografią, a także dziennikarstwem.
1. katalog i plakat Tydzień Sztuki Współczesnej (1922)
Di Cavalcanti był artystą, który zilustrował plakat i katalog Semana de Arte Moderna, który odbył się w Theatro Municipal w São Paulo w lutym 1922 roku.
Wydarzenie to, postrzegane jako kamień milowy dla brazylijskiej sztuki i kultury, zaprezentowało innowacyjną produkcję artystyczną w kraju i zostało wyidealizowane przez Di Cavalcanti.
Był jednym z główni organizatorzy Tygodnia Z tej okazji zorganizował również wystawę 12 swoich prac.
Katalog posiada czarną grafikę utrzymaną w estetyce drzeworytu, na której widzimy inicjały imienia i nazwiska artysty D.C. Pisownia jest przedstawiona w nietypowy sposób, co widać w słowie "katalog", w którym ostatnie litery są zmniejszone w prawym rogu.
Plakat przedstawia bardzo prosty rysunek rosnącego drzewa z widocznymi korzeniami, sugerując początek nowego sposobu myślenia o brazylijskiej kulturze.
2. Pierrete (1922)
Pierrete to obraz autorstwa Di Cavalcanti, również wykonany w 1922 roku, przedstawiający dziewczynę ubraną w stylu "pierrot" do zabawy w karnawale.
Płótno należy do pierwszego okresu modernistycznego i zostało wykonane techniką farby olejnej o wymiarach 78 x 65 cm.
Tutaj Liryczna atmosfera Świadczy o tym obecność kobiecej postaci, która wykazuje ospały wyraz twarzy i ruch ciała sugerujący taneczny krok, jakby unosiła się w powietrzu.
Są też ptaki lecące w jej kierunku i część wazonu z kwiatami w prawym rogu ekranu, które przyczyniają się do poetyckiego i delikatnego tonu sceny.
Na płótnie widoczne są również faliste linie i elementy charakterystyczne dla Art Nouveu, takie jak spiralna siatka na pierwszym planie.
3. Samba (1925)
Samba W tym roku Di Cavalcanti wrócił z pobytu w Europie, gdzie mieszkał przez dwa lata i miał kontakt z wielkimi nazwiskami artystycznej awangardy, takimi jak Picasso, Georges Braque, Léger i Matisse.
W związku z tym można zauważyć w tej pracy uderzające nowoczesne cechy, takie jak kolorowa obfitość i wykorzystanie formy cylindryczne aby zbudować ciała postaci.
Jednak, jak to było typowe dla brazylijskich modernistów, artysta miesza te odniesienia z rzeczywistością naszych ludzi, eksplorując sambę, zmysłowość kobiet i cyganerię.
4. Pięć dziewcząt z Guaratinguetá (1930)
Przy Pięć dziewcząt z Guaratinguetá W latach 30. artysta po raz kolejny podkreśla wpływ ruchów takich jak kubizm i fowizm.
Jednym z artystów, którzy silnie zainspirowali Di Cavalcanti był Pablo Picasso. obszerne ciała i proste, stylizowane formy .
Zobacz też: Nie oglądaj się za siebie w gniewie: znaczenie i słowa piosenkiPaleta kolorów waha się między ciepłymi i ziemistymi odcieniami, a także niebieskim. Styl ubrań kobiet pozwala nam wywnioskować epokę, w której płótno zostało namalowane, ponieważ jest to bardzo charakterystyczny strój z lat trzydziestych XX wieku.
5. Kobiety z owocami (1932)
Przy Kobiety z owocami Di Cavalcanti pokazuje dwie młode kobiety opierające się plecami w scenie sugerującej piknik, z koszem owoców i kwiatów tworzących krajobraz.
Odcienie użyte przez malarza są delikatnie różowe, a przedstawione kształty są pełne. W tym dziele jest również wpływ kubizmu Sposób, w jaki artysta konstruuje rysunek, z dobrze zdefiniowanymi pociągnięciami, jest niezwykły.
Zobacz też: Sebastião Salgado: 13 uderzających zdjęć, które podsumowują pracę fotografaPrzedstawienie kobiet to temat, który przenika twórczość Di Calvalcantiego. Kobiety, zwłaszcza te powstałe z mieszanek rasowych, ukazane są w poetycki i zmysłowy sposób.
6. Portret Noemii (1936)
W 1936 roku Di Cavalcanti wyprodukował Portret Noemii gdzie pojawia się Noêmia Mourão, malarka, która była jego uczennicą i którą poślubił w 1933 roku.
W tej pracy można zauważyć wpływ ruchu ekspresjonistycznego poprzez czerwoną sukienkę i dociekliwą postawę kobiety, nadając scenie dramatyczny wygląd.
7. Protestujące kobiety (1941)
Kobiety protestujące W 1928 r. Di Cavalcanti wstąpił do Brazylijskiej Partii Komunistycznej (PCB) i zintensyfikował swoją działalność. spojrzenie na przyczyny społeczne Znajdzie to odzwierciedlenie w całej produkcji.
Tak więc w tym płótnie malarz przedstawia kobiece oburzenie jako temat, co dowodzi, że kobiety były również pokazywane w inny sposób przez malarza, nie tylko w ich pięknie i zmysłowości.
Nie jest jasne, o co protestowały kobiety Di. Być może była to demonstracja feministyczna, ponieważ w latach czterdziestych XX wieku wciąż pozostawało wiele do zrobienia, zanim rola kobiet w społeczeństwie została szerzej uznana.
Pod względem malarskim obraz przedstawia większą troskę artysty o przekazanie artystycznej idei i gestu. Według krytyka sztuki Mário Schenberga:
Na przykład stworzył ten celowo "zabity" obraz, w którym celem nie był obraz, ale gest; i to znaczenie gestu w jego działalności jest bardzo związane z pewnymi aspektami sztuki konceptualnej.
8. Statek niewolniczy (1961)
Wielki mural Statek niewolniczy Został namalowany w 1961 r. Dzieło jest tryptykiem (składa się z 3 części), ma wymiary 4 x 6 metrów i zostało wykonane farbą olejną.
Praca jest owocem wpływów w Meksykański muralizm W tym stylu powstają monumentalne dzieła przedstawiające tematy społeczne i walkę ludu o wolność.
Można tu zobaczyć statek przywożący ludzi z Afryki do niewoli w Brazylii. Sceneria jest intensywnie kolorowa i zawiera różne ikony brazylijskości, takie jak tropikalna roślinność i ludzie.
Ciekawostką jest, że kompozycja ta przez 25 lat znajdowała się w Muzeum Sztuk Pięknych w Rio de Janeiro, a w 2019 roku została stamtąd usunięta, by powrócić do właściciela i zintegrować się z kolekcją banku J. P. Morgan.
9. Popularna piłka (1972)
Popularna piłka powstał w ostatniej dekadzie życia artysty, w latach 70. Płótno, dość barwne, co jest charakterystyczne dla jego twórczości, przedstawia prawdziwie brazylijski motyw : muzyka i taniec.
Tutaj czarnoskórzy ludzie są przedstawieni w świąteczny sposób, a kobieta po raz kolejny jest umieszczona w zmysłowy i atrakcyjny sposób.
Takie podejście było zawsze obecne w jego twórczości, przyczyniając się do powstania wizualnej kolekcji Brazylii między latami dwudziestymi a siedemdziesiątymi XX wieku.
Di Cavalcanti intensywnie tworzył, ale zmarł w 1976 roku, 26 października, w wieku 79 lat, z powodu komplikacji zdrowotnych.
Dziedzictwo Di Cavalcantiego
Artysta wszedł do historii sztuki brazylijskiej jako szanowane nazwisko, pozostawiając po sobie ważną spuściznę, o czym świadczą słowa krytyka sztuki i filmowca Olívio Tavaresa de Araújo:
Czerpał przyjemność z malowania i nie zależało mu na osiągnięciu arcydzieła za każdym razem; zasadniczo chciał wyrazić siebie. W latach 20. i 30. jego produkcja jest bardziej jednorodna; w latach 40. i 50. pojawiają się liczne i słynne arcydzieła; od lat 60. stają się rzadkością.
Mimo to Emiliano Di Cavalcanti na zawsze pozostanie jednym z największych brazylijskich malarzy i tym, który najlepiej uchwycił pewną stronę kraju: miłosną, zmysłową. Szeroka przewaga postaci ludzkiej w jego sztuce jest również przejawem jego zasadniczego humanizmu - tego samego humanizmu, który doprowadził go do bycia jednostką lewicy, choć nie do końca działaczem partyjnym. Jak Segall,Ismael Nery i Portinari, Di uczynił człowieka obiektem swojej uwagi.
